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Amedeo Modigliani - Portait Lunia Czechowska 1918 Poster
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Tipo de papel: Papel Poster Especial (Fosco)

Esse poster é ideal para quem quer economizar na decoração sem sacrificar a qualidade do produto ou impressão. O papel "Value" da Zazzle é a perfeita combinação do bom e barato! A sua arte ou foto será impressa em cores vibrantes, em papel fosco. Esse tipo de papel também é bem recomendado para aqueles que planejam pendurá-lo próximo à janela ou exibi-lo por trás de uma moldura com vidro, pois reflete menos luz do ambiente e isso garante boa visibilidade do desenho ou fotografia.

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San Jose, CA, US
Sobre esse design
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Amedeo Modigliani - Portait Lunia Czechowska 1918 Poster
Inglês: Retrato de Lunia Czechowska (identificado anteriormente como a Sra. Hanka Zborowska) Português: Retrato de Luncia Czechowska (senhora Hanka Zborowska 1918 do como do identificada do anteriormente. Primeiramente um artista figurativo, tornou-se conhecido para pinturas e esculturas em um estilo moderno caracterizado perto máscara-como as caras e o alongamento do formulário. Morreu em Paris da meningite tubercular, agravada pela pobreza, pelo excesso de trabalho, e pelo vício ao álcool e aos narcóticos. Modigliani era nascido em uma família judaica em Livorno, Italia. Uma cidade de porto, Livorno tinha servido por muito tempo como um refúgio para aqueles perseguidos para sua religião, e era home a uma grande comunidade judaica. Seu excelente-excelente-avô materno, Solomon Garsin, immigrated a Livorno no século XVIII como um refugiado. Modigliani era a quarta criança de Flaminio Modigliani e sua esposa francesa, Eugenia Garsin. Seu pai era um dinheiro-cambiador, mas quando seu negócio falhou, a família viveu na pobreza. O nascimento de Amedeo salvar a família da ruína, como de acordo com uma lei antiga, os credores não poderiam apreender a cama de uma mulher gravida ou de uma mãe com uma criança recém-nascida. Os conselheiro municipais entraram na casa de família apenas enquanto o Eugenia entrou no trabalho; a família protegeu seus recursos mais valiosos empilhando os sobre ela. Modigliani teve uma relação estreita com sua mãe, que o ensinou em casa até que estêve dez. Sitiado com problemas de saúde após um ataque de pleurisy quando era aproximadamente onze, alguns anos mais tarde desenvolveu um exemplo da febre tifóide. Quando era dezesseis foi tomado o mal outra vez e contratado a tuberculose que uma reivindicação mais atrasada sua vida. Depois que Modigliani recuperou do segundo ataque de pleurisy, sua mãe tomou-o em uma excursão de Italia do sul: Nápoles, Capri, Roma e Amalfi, então nortes a Florença e a Veneza. Sua mãe era, de várias maneiras, instrumental em sua capacidade para levar a cabo a arte como um vocação. Quando era onze anos de idade, tinha notado em seu diário: " O caráter da criança é ainda tão não formado que eu não posso dizer o que eu penso dele. Comporta-se como uma criança estragada, mas não falta a inteligência. Nós teremos que esperar e ver o que é dentro desta crisálida. Talvez um artista?" Modigliani é conhecido para ter seleccionado e pintado de uma idade muito adiantada, e pensado "já um pintor", sua mãe escreveu, mesmo antes de começar estudos formais. Apesar de suas dúvidas que lançando o em um curso da arte do estudo usurparia em cima de seus outros estudos, sua mãe concedeu a paixão do Modigliani novo para o assunto. Na idade de quatorze, quando doente com febre tifóide, raved em seu delírio que quis, sobretudo, ver as pinturas no Palazzo Pitti e no Uffizi em Florença. Porque o museu local de Livorno abrigou somente um escasso poucas pinturas pelo mestrado italiano do renascimento, os contos que se tinha ouvido sobre os grandes trabalhos realizados em Florença intrigaram-no, e era-lhe uma fonte de desespero considerável, em seu estado sickened, que pôde nunca obter a possibilidade os ver pessoalmente. Sua mãe prometeu que o tomaria a Florença ela mesma, o momento onde foi recuperado. Não somente cumpriu esta promessa, mas igualmente empreendeu registrá-lo com o melhor mestre da pintura em Livorno, Guglielmo Micheli. Modigliani trabalhou na escola de arte de Micheli desde 1898 até 1900. Aqui sua instrução artística formal mais adiantada ocorreu em uma atmosfera embebida profundamente em um estudo dos estilos e dos temas do italiano do século XIX art. Em seu trabalho parisiense mais adiantado, os traços desta influência, e aquele de seus estudos da arte de renascimento, podem ainda ser considerados: este trabalho emergente foi dado forma tanto quanto por artistas quanto Giovanni Boldini como por Toulouse-Lautrec. Modigliani mostrou a grande promessa quando com Micheli, e cessado somente seus estudos quando foi forçado a, pelo início da tuberculose. Em 1901, enquanto em Roma, Modigliani admirou o trabalho de Domenico Morelli, um pintor de estudos bíblicos melodramáticos e de cenas da grande literatura. É irónico que deve ser assim que golpeado por Morelli, como este pintor tinha servido como uma inspiração para um grupo de iconoclasts que foram conhecido pelo título "o Macchiaioli" (do macchia - "traço da cor", ou, mais derogatively, "mancha"), e Modigliani tinha sido expor já às influências do Macchiaioli. Este menor, movimento localizado da paisagem foi possuído de uma necessidade de reagir contra os stylings burgueses dos pintores académicos do gênero. Quando conectado sympathetically (e realmente pre-namorando) aos impressionista franceses, o Macchiaioli não fez o mesmo impacto em cima da cultura internacional da arte que fizeram os contemporâneos e os seguidores de Monet, e é esquecido hoje pela maior parte fora de Italia. A conexão de Modigliani com o movimento era com Guglielmo Micheli, seu primeiro professor de arte. Micheli era não somente um Macchiaiolo ele mesmo, mas tinha sido um aluno de Giovanni Fattori famoso, um fundador do movimento. O trabalho de Micheli, contudo, era tão elegante e o gênero tão comum que o Modigliani novo reagiu contra ele, preferindo ignorar a obsessão com paisagem que, como com impressionismo francês, caracterizou o movimento. Micheli igualmente tentou incentivar seus alunos pintar o ar do plein do en, mas Modigliani obteve nunca realmente um gosto para este estilo do trabalho, esboçando nos cafés, mas preferindo pintar dentro, e especialmente em seu próprio estúdio. Mesmo quando obrigado para pintar paisagens (três são conhecidos para existir), Modigliani escolheu uma paleta do proto-Cubist mais aparentada a Cézanne do que ao Macchiaioli. Quando com paisagem estudada de Micheli, de Modigliani não somente, mas igualmente retratista, ainda-vida, e o nu. Seus estudantes companheiros recordam que o último era onde indicou seu grande talento, e aparentemente esta não era uma perseguição inteiramente académico para o adolescente: ao não pintar nudes, foi ocupado com sedução da empregada doméstica do agregado familiar. Apesar de sua rejeção da aproximação de Macchiaioli, Modigliani todavia encontrou o favor com seu professor, que lhe referiu como o "superman", um nome de animal de estimação que reflete o fato de que Modigliani era não somente bastante perito em sua arte, mas igualmente que citou regularmente de Nietzsche assim falou Zarathustra. Fattori ele mesmo visitaria frequentemente o estúdio, e aprovado as inovações do artista novo. Em 1902, Modigliani continuou o que era ser um infatuation de vida com desenho da vida, registrando-se no Accademia di Belle Arti (Scuola Libera di Nudo, ou "na escola livre de estudos nus") em Florença. Um ano mais tarde ao ainda sofrer da tuberculose, transportou-se a Veneza, onde se registrou para estudar no Istituto di Belle Arti. Está em Veneza que primeiramente haxixe fumado e, preferencialmente do que estudando, começou a passar o tempo que freqüenta partes disreputable da cidade. O impacto destas escolhas do estilo de vida em cima de seu estilo artístico tornando-se está aberto à conjectura, embora estas escolhas pareçam ser mais do que a rebelião adolescente simples, ou o hedonismo e o bohemianism cliched que foi esperado quase dos artistas do tempo; sua perseguição do lado mais coçado da vida parece ter raizes em sua apreciação de filosofias radicais, tais como aquelas de Nietzsche. Em 1906 Modigliani moveu-se para Paris, então o ponto de foco da vanguarda. De facto, sua chegada no centro da experimentação artística coincidiu com a chegada outros de dois estrangeiros que deviam igualmente deixar suas marcas em cima do mundo da arte: Gino Severini e Juan Gris. Estabeleceu-se em Le Barco-Lavoir, uma comuna para artistas tesos em Montmartre, alugando-se um estúdio na rua Caulaincourt. Mesmo que este quarto dos artistas de Montmartre fosse caracterizado pela pobreza generalizada, Modigliani ele mesmo apresentado-inicial, em menos-como um esperaria o filho de uma família que tenta manter as aparências de sua situação financeira perdida para apresentar: seu wardrobe era dapper sem ostentation, e o estúdio que alugou foi apontado em um estilo apropriado para alguém com um gosto finamente afinado na cortina do luxuoso e nas reproduções do renascimento. Fez logo esforços para supr a guisa do artista boémio, mas, mesmo em seus veludos de algodão marrons, em escarlate do lenço e no grande chapéu negro, continuou a parecer como se slumming o, de queda em cima de umas épocas mais duras. Dentro de um ano de chegada em Paris, contudo, seus demeanour e reputação tinham mudado dramàtica. Transformou-se de um artista dapper do academician em um tipo de príncipe dos vagabundos. O poeta e o journalista Louis Latourette, em cima de visitar o estúdio previamente bem arranjado do artista após sua transformação, descobriram o lugar na agitação, as reproduções do renascimento rejeitadas das paredes, o luxuoso drapejam na desordem. Modigliani era já um alcoólico e um viciado em drogas entretanto, e seu estúdio refletiu este. O comportamento de Modigliani neste tempo derrama alguma luz em cima de seu estilo tornando-se como um artista, que o estúdio se tinha transformado quase uma efígie sacrificial para tudo que ressentiu sobre a arte académico que tinha marcado sua vida e sua formação até esse ponto. Não somente removeu toda a caça com armadilhas de sua herança burguês de seu estúdio, mas igualmente ajustou-se sobre o destruição de praticamente todas suas próprias primeiras obras. A motivação para esta rejeção violenta de seu auto mais adiantado é o assunto da especulação considerável. As tendências autodestrutivos podem ter provindo de sua tuberculose e o conhecimento (ou presunção) que a doença o tinha marcado essencialmente para uma morte adiantada; dentro do quarto dos artistas, muitos enfrentaram a mesma frase, e a resposta típica era ajustar-se sobre a apreciação da vida quando durou, principalmente concedendo em ações autodestrutivos. Para Modigliani tal comportamento pode ter sido uma resposta a uma falta do reconhecimento; procurou a empresa dos artistas tais como Utrillo e Soutine, aceitação procurando e validação para seu trabalho de seus colegas. O comportamento de Modigliani estêve para fora mesmo nestes arredores boémios: continuou casos freqüentes, bebeu-os pesadamente, e usou-os o absinto e o haxixe. Quando o bebado, ele se descascaria às vezes despido em recolhimentos sociais. Transformou-se o epítome do artista trágico, criando uma legenda póstumo quase tão conhecida quanto aquela de Vincent van Gogh. Durante o 1920, como consequência da carreira de Modigliani e spurred sobre por comentários pelo haxixe e pelo absinto creditando Salmon de André com a génese do estilo de Modigliani, muitos hopefuls tentaram emular seu "sucesso" empreendendo um trajeto do abuso de substâncias e do excesso boémio. Os salmões reivindicar-errôneo-que visto que Modigliani era um artista totalmente pedestre quando sóbrio, " … do dia que abandonou ele mesmo a determinados formulários da devassidão, uma luz inesperada vieram em cima dele, transformando seu art. Desse dia sobre, transformou-se um quem deve ser contado entre o mestrado do art. de vida" quando esta propaganda servida como um grito de guerra àquelas com um desejando romântico ser um artista trágico, condenado, estas estratégias não produziu introspecções ou técnicas artísticas originais naquelas que já não os tiveram. De facto, os historiadores de arte sugerem que seja perfeitamente possível para que Modigliani tenha mesmo maiores alturas artísticas conseguidas ele não immured dentro, e esteja destruído perto, suas próprias auto-indulgência. Nós podemos somente especular o que pôde ter realizado o teve emergiu intact de suas explorações autodestrutivos. Durante seus primeiros anos em Paris, Modigliani trabalhou em um ritmo furioso. Era constantemente esboçar, fazendo tanto como como cem desenhos um o dia. Contudo, muitos de seus trabalhos perdido-foram destruídos por ele como o inferior, sairam atrás em suas mudanças de endereço freqüentes, ou dado aos namoradas que não os mantiveram. Foi influenciado primeiramente por Henri de Toulouse-Lautrec, mas por volta de 1907 tornou-se fascinado com o trabalho de Paul Cézanne. Eventualmente desenvolveu seu próprio estilo original, um que não pode adequadamente ser categorizado com outros artistas. Encontrou o primeiro amor sério de sua vida, poeta Anna Akhmatova do russo, em 1910, quando era 26. Tiveram estúdios na mesma construção, e embora 21 os anos de idade Anna fossem casados recentemente, começaram um caso. Alto (Modigliani era somente 5 pés 5 polegadas) com cabelo escuro (como Modigliani), pele pálida e os olhos cinzento-verdes, personificou o ideal estético de Modigliani e os pares tornaram-se redigidos em se. Após um ano, contudo, Anna retornou a seu marido. Em 1909, Modigliani retornou em casa a Livorno, doentio e cansado de seu estilo de vida selvagem. Logo estava para trás em Paris, esta vez que aluga um estúdio em Montparnasse. Viu-se original como uma preferencialmente do escultor do que um pintor, e foi incentivado para continuar após Paul Guilherme, um comerciante de arte novo ambicioso, tomou um interesse em seu trabalho e introduziu-o ao escultor Constantin Brancusi. Embora uma série das esculturas de Modigliani fosse exibida no d'Automne do salão de beleza de 1912, em 1914 abandonou sculpting e centrou-se unicamente sobre sua pintura, um movimento precipitado pela dificuldade em adquirir os materiais esculturais devido à manifestação de guerra, e pelo debilitation físico de Modigliani. Na arte de Modigliani, há uma evidência da influência da arte de África e de Cambodia que pode ter visto no Musée de l'Homme, mas seus stylizations como para ter são sidos apenas provavelmente o resultado do seu que está sendo cercado pela escultura de Mediæval durante seus estudos em Italia do norte (não há nenhuma informação gravada de Modigliani ele mesmo, porque há com e outro, para confirmar a disputa que estêve influenciado por étnico ou nenhum outro tipo da escultura). Um interesse possível em máscaras tribais africanas parece ser evidente em seus retratos. Em sua pintura e em escultura, as caras dos baby-sitter assemelham-se à pintura egípcia antiga em seu plano e máscara-como a aparência, com os olhos de amêndoa distintivos, as bocas franzidas, os narizes torcidos, e os pescoços prolongados. Contudo estas mesmas características são compartilhadas pela escultura e pela pintura européias de Mediæval. Modigliani pintou uma série de retratos de artistas e de amigos contemporâneos em Montparnasse: Chaim Soutine, Moise Kisling, Pablo Diego Rivera, Marie "Marevna" Vorobyev-Stebeslka, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars, e Jean Cocteau, sentado toda para capitulações estilizados. No princípio da Primeira Guerra Mundial, Modigliani tentou recrutar no exército mas foi recusado devido a sua saúde pobre. As mulheres vieram e foram até que Beatrice Hastings incorporou sua vida. Permaneceu com ele por quase dois anos, foi o assunto para diversos de seus retratos, incluindo a senhora Pompadour, e o objeto de muito de seu wrath bêbedo. Quando o pintor britânico Nina Hamnett chegou em Montparnasse em 1914, no seu primeiro nivelar lá o homem de sorriso na mesa seguinte no café introduziu-se como Modigliani; pintor e judeu. Transformaram-se grandes amigos. Em 1916, Modigliani befriended o poeta polonês e o comerciante de arte Leopold Zborovski e sua esposa Anna.The depois do verão, o escultor Chana Orloff do russo introduziram-no a um estudante de arte bonito Jeanne nomeado dos anos de idade 19 Hébuterne que levantasse para Tsuguharu Foujita. De um fundo burguês conservador, Hébuterne foi renunciado por sua família católico romano devoto para sua ligação com o pintor, quem viu como pouco mais do que um derelict debauched, e, mais mau ainda, um judeu. Apesar das objeções da sua família, logo estava vivendo junto, e embora Hébuterne fosse o amor atual de sua vida, suas cenas públicas tornaram-se mais ilustres do que as exposições bêbedos individuais de Modigliani. O 3 de dezembro de 1917, a primeira exposição individual de Modigliani abriu na galeria de Berthe Weill. O chefe da polícia de Paris scandalized pelos nudes de Modigliani e foi-lhe forçado para fechar a exposição dentro de algumas horas após sua abertura. Depois que e Hébuterne se transportaram a agradável, tornou-se grávida e deu-se o 29 de novembro de 1918 o nascimento a uma filha quem nomeassem Jeanne (1918-1984). Em uma viagem a agradável que tinha sido concebido e organizado por Leopold Zborovski, por Modigliani, por Foujita e por outros artistas tentou vender seus trabalhos aos turistas ricos. Modigliani controlou vender algumas imagens mas somente para alguns francos cada um. Apesar disto, durante este tempo produziu a maioria das pinturas que se transformaram mais tarde seus trabalhos mais populares e mais avaliados. Durante sua vida vendeu um número seus de trabalhos, mas nunca para qualquer grande quantidade de dinheiro. Que fundos recebeu logo desapareceu para seus hábitos. Em maio de 1919 retornou a Paris, onde, com Hébuterne e sua filha, alugou um apartamento na rua de la Grandioso Chaumière. Quando lá, Jeanne Hébuterne e Amedeo Modigliani pintou retratos de se, e dse. Embora continuasse a pintar, a saúde de Modigliani estava deteriorando-se ràpida, e seus escurecimentos álcool-induzidos tornaram-se mais freqüentes. Em 1920, após a audição dele por vários dias, de seu em baixo vizinho verificado na família e de Modigliani encontrado na cama delirante e não sustentar Hébuterne que tinha quase nove meses grávido. Chamaram um doutor, mas pouco poderia ser feito porque Modigliani era morte da meningite tubercular da doença então-incurável. Modigliani morreu o 24 de janeiro de 1920. Havia um funeral enorme, atendido por muitos das comunidades artísticas em Montmartre e em Montparnasse. Hébuterne foi tomado a seus pais em casa, onde, inconsolable, se jogou fora de uma janela do quinto-assoalho dois dias após a morte de Modigliani, se matando e seu nascituro. Modigliani interred no cemitério de Père Lachaise. Hébuterne foi enterrado no Cimetière de Bagneux perto de Paris, e não era até 1930 que sua família embittered permitiu que seu corpo estivesse movido para o resto ao lado de Modigliani. Uma lápide do solteiro honra-os ambos. Seu epitáfio lê: "Golpeou para baixo pela morte no momento da glória." Dela lê: "Devotou o companheiro ao sacrifício extremo." Modigliani morreu teso e desprovido-controlando somente uma exposição de solo em sua vida e dando seu trabalho afastado em troca das refeições nos restaurantes. Desde que sua morte sua reputação subiu. Nove novelas, um jogo, um documentário e três filmes foram devotados a sua vida. A irmã de Modigliani em Florença adotou sua filha do bebê de quinze meses, Jeanne (1918-1984). Como um adulto, escreveu uma biografia de seu pai intitulado, Modigliani: Homem e mito. Dois filmes foram feitos sobre Modigliani: Les Amants de Montparnasse em 1958, dirigido por Jacques Becker, e Modigliani em 2004, dirigiram por Mick Davis que starring Andy García como Modigliani. Nu vermelho (1917) faz uma parte importante nos 1972 viagens do filme com minha tia. A cara slyly pisc de Maggie Smith, completa com o cabelo vermelho brilhante, parece ter sido sobrepor na pintura original. 1968 o filme francês, Le tatoué caracteriza um Legionaire imaginário que tenha seu coberto para trás por um tatuagem feito por Modigliani. Desde que após sua morte, os trabalhos por Modigliani subiram rapidamente no valor, um comerciante de arte gasta o filme que tenta obter o tatuagem fora da parte traseira do legionário, e em um museu. Pinturas selecionadas: A cabeça de uma mulher com uns 1907) retratos do chapéu (de 1915) retratos de Juan Gris (retratos de Paul Guilherme do comerciante de arte dos 1916) (de Jean Cocteau (1916) assentou (CA 1918) a academia nu de Honolulu do retrato das artes de 1918) retratos de Jeanne Hébuterne (de Marios Varvoglis (1920; Esculturas selecionadas da pintura de Modigliani últimas) (somente 27 esculturas por Modigliani são sabidas para existir.) Cabeça de uma mulher (1910/1911). Cabeça (1911-1913). Cabeça (1911-1912). Cabeça (1912). Cariátide cor-de-rosa (1914). A arte figurativa, escrita às vezes como o figurativism, descreve trabalhos de arte - particular as pinturas e as esculturas - que são derivadas claramente das fontes reais do objeto, e é conseqüentemente por definição representacional. O termo "arte figurativa" é tomado frequentemente à arte média que representa a figura humana, ou mesmo uma figura animal, e, embora este é frequentemente o caso, não é necessariamente assim: " Desde que a chegada da arte abstracta o termo figurativo foi usada para referir todo o formulário da arte moderna que retem referências fortes ao mundo real. A" pintura e a escultura podem conseqüentemente ser divididas nas categorias de figurativo, representacional e abstrato, embora, restrita falando, a arte abstracta seja derivada (ou abstraída) de uma fonte figurativa ou outra natural. Contudo, o termo é usado às vezes como um sinónimo para a arte não-representacional e a arte não-objetiva, isto é a arte que não tem nenhuma derivação das figuras ou dos objetos. A arte figurativa própria é baseada em uma compreensão tácito de formas abstraídas: a figura escultura da antiguidade não era naturalista, porque seus formulários eram idealizados e geométricos. Ernst Gombrich referiu as críticas desta aparência esquemática, a aderência àquela que foi sabido já, preferencialmente do que isso que é visto, como "o método egípcio", uma alusão à claridade memória-baseada da aparência no egípcio art. Eventualmente o idealization levou à observação, e a uma arte figurativa que a geometria ideal equilibrada com maior realismo fosse considerada na escultura clássica por 480 B.C. Os gregos referiram a confiança na observação visual como o mimesis. Até a época dos impressionista, a arte figurativa foi caracterizada por tentativas de reconciliar estes princípios de oposição. A elevação da arte neoclássico de Nicholas Poussin e de Jacques-Louis David gerou finalmente as reações realísticas de Gustave Courbet e de Edouard Manet. Os elementos formais, aqueles efeitos estéticos criados pelo design, de que a arte figurativa é dependente, incluem a linha, a forma, a cor, a luz e o escuro, o maciço, volume, textura, e perspectiva, embora se deva indicar que estes elementos do design poderiam igualmente jogar um papel em criar outros tipos de aparência -- por exemplo abstrato, ou trabalhos de arte bidimensionais não-representacionais ou não-objetivos. A pintura é um modo de expressão e os formulários são numerosos. O desenho, a composição ou a abstracção e a outra estética podem servir para manifestar a intenção expressivo e conceptual do médico. As pinturas podem ser naturalistas e representacionais (como em uma pintura imóvel da vida ou de paisagem), fotográfico, abstrato, sejam carregadas com o índice narrativo, simbolismo, emoção ou sejam políticas na natureza. A pintura é a prática de aplicar a pintura, o pigmento, a cor ou o outro meio a uma superfície (base de apoio). Na arte, o termo descreve o ato e o resultado, que é chamado uma pintura. As pinturas podem ter para seu apoio superfícies como paredes, papel, canvas, madeira, vidro, laca, argila ou concreto. As pinturas podem ser decoradas com folha de ouro, e algumas pinturas modernas incorporam outros materiais que incluem a areia, a argila, e as sucatas de papel. Uma parcela da história da pintura na arte oriental e ocidental é dominada por motivos e por ideias espirituais; os exemplos deste tipo da pintura variam dos trabalhos de arte que descrevem figuras mitológicas na cerâmica às cenas bíblicas rendidas nas paredes interiores e no teto da capela de Sistine, às cenas da vida de Buddha ou às outras cenas da origem religiosa oriental. Entre a continuação e os sentidos atuais na pintura no início do século XXI são a pintura monocromática, a pintura da Duro-borda, a abstracção geométrica, a apropriação, o Hyperrealism, Photorealism, o Expressionism, o minimalismo, a abstracção lírico, o pop art, a arte Op, o Expressionism abstrato, a pintura do campo de cor, o Neo-expressionism, a pintura da colagem, do Intermedia, a pintura da reunião, da arte de computador pintura, pintura postmoderno, pintura Neo-Dada, pintura dada forma das canvas, pintura mural ambiental, figura tradicional pintura, pintura de paisagem, pintura do retrato, e animação do pintura-em-vidro. Desenvolvimentos em oriental pintando historicamente a paralela aqueles na pintura ocidental, geralmente, alguns séculos mais adiantado. Arte africana, arte islâmica, arte indiana, arte chinesa, e arte japonesa cada influência significativa tida na arte ocidental, e, eventualmente, vice-versa. As pinturas conhecidas as mais velhas estão no Grotte Chauvet em France, reivindicado por alguns historiadores ter aproximadamente 32.000 anos velhas. São gravados e pintados usando o ocre vermelho e o pigmento preto e mostram os cavalos, o rinoceronte, os leões, o búfalo, o mammoth ou os seres humanos caçando frequentemente. Contudo a evidência a mais adiantada da pintura foi descoberta em dois rocha-abrigos na terra de Arnhem, em Austrália do norte. Na mais baixa camada de material nestes locais há umas partes usadas de ocre calculadas para ter 60.000 anos velho. Os arqueólogos igualmente encontraram um fragmento da pintura da rocha preservado em um rocha-abrigo da pedra calcária na região de Kimberley de Austrália do noroeste, de que são 40 000 anos datado velhos. Há uns exemplos de pinturas de caverna por todo o lado no mundo-em France, em espanha, em Portugal, em China, em Austrália, em India etc. Na pintura a óleo das culturas ocidentais e na pintura da aguarela são os meios os mais conhecidos, com tradições ricas e complexas no estilo e no assunto. No leste, a tinta e a tinta da cor predominated historicamente a escolha dos meios com tradições ingualmente ricas e complexas. Os tipos diferentes de pintura são identificados geralmente pelo meio que o pigmento está suspendido ou encaixado dentro, que determina as características de trabalho gerais da pintura, tais como a viscosidade, a miscibilidade, a solubilidade, tempo de secagem, etc.
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Criado em: 07/02/2010 13:57
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